pmCastLIVE! num.3: North Mississippi Allstars

Hoy os traigo al podcast un power trio muy joven y de muchos kilates. ¡A disfrutarlo!

NORTH MISSISSIPPI ALLSTARS
The Berkeley Church, Toronto
9 de noviembre de 2005

Repertorio:
1) Mississippi Bollweevil
2) Hurry Up Sunrise
3) Ship
4) Georgia Women / Po Black Maddie / Skinny Woman / Po Black Maddie
5) Horseshoe
6) Freedom Highway
7) Mean Ol' Wind Died Down
8) Poor Boy Long Way From Home / Snake Drive

Duración: 55:55

La banda:
Luther Dickinson - lowebow, guitars & vocals
Cody Dickinson - drums & keyboards
Chris Chew - bass & vocals

Fuente: Dimeadozen

De tal palo...

El gaditano Nico Gómez nos brinda en su primer disco (In My Sky So Blue, 2009) algo más que una colección de canciones. En él podemos recorrer, casi como si de un álbum de fotos se tratara, toda una vida empapada del pragmatismo de J.J. Cale, de la elegancia de Mark Knopfler o de la inagotable búsqueda creativa de Camel.
Como muestra os extraigo este tema, con un gran contrapunto entre el comienzo inquietante marcado de silencios y la poderosa guitarra final de corte knopfleriano. Excelente.


Nico Gómez - A New Horizon

Y aquí el single, Follow This Truck:

Más allá de las seis cuerdas

Dada la distancia que existe entre los mercados discográficos español y argentino, y teniendo en cuenta que el bajista Marcelo Torres edita en un sello independiente, no es de extrañar que haya tardado seis años en obtener una copia de este magnífico Constructor de Almas (2003), su segundo trabajo en solitario.
En él, Marcelo deja en segundo plano su prodigiosa habilidad con el bajo de seis cuerdas, para presentarse como un sólido y competente compositor y productor. Es un trabajo serio, mucho más jazzístico que su primer disco (Edad Luz, 1993), de factura impecable y que se puede escuchar sin fatiga de principio a fin. Totalmente recomendable.


Marcelo Torres - Identidad


Marcelo Torres - Nuestro Barrio

Como muestra de su anterior trabajo, os dejo esta magnífica pieza que me encanta, tocada íntegramente al bajo:


Marcelo Torres - Danza

pmCastLIVE! num.2: Pink Floyd

Se podría escribir un libro (y seguramente se ha hecho) sobre el décimo álbum de Pink Floyd (Animals): sobre la obsesión egocéntrica de Roger Waters, sobre las luchas internas por los créditos de las canciones, sobre la accidentada sesión fotográfica con las fuerzas aéreas intentando atrapar el cerdo hinchable a 18.000 pies de altura, sobre el no menos accidentado tour donde hubo de todo y Waters terminó de los nervios increpando a las audiencias, sobre
la controversia entre los que piensan que la temática es una crítica al capitalismo y los que creen que lo es del comunismo, etc. etc.

Sea como fuere, la imagen del cerdo volando sobre la central eléctrica de Battersea ha quedado como un icono del siglo XX, y el crudo sonido de esta fabulosa obra maestra ha dejado huella en generaciones.

Hoy os traemos para nuestra segunda edición del podcast de Perlas Musicales una impagable grabación del grupo tocando en vivo el disco completo en el Oakland Alameda Coliseum el 9 de mayo de 1977.

Pink Floyd
1977-05-09
Oakland, California, USA
Oakland Alameda Coliseum Arena

1. Sheep
2. Pigs on the Wing (Part 1)
3. Dogs
4. Pigs on the Wing (Part 2)
5. Pigs (3 Different Ones)

Banda:
* David Gilmour - guitarra y voz
* Roger Waters - bajo y voz
* Richard Wright - teclados
* Nick Mason - batería
* Snowy White - bajo, y guitarra en #4

Duración: 55 minutos
Formato: MP3 variable 192/256 kbps
Tamaño: 75 MB
Fuente: Dimeadozen (requiere registro)

Descarga

Locutor cortesía de vozme.com

Raíces y buen hacer

Por primera vez tengo el gusto de traer por aquí un grupo español. Luar Na Lubre, formado en Coruña en 1988 ha sabido cimentar su carrera en la constancia, el perfeccionamiento y el buen hacer (esas cosas que tan poco se llevan hoy día), hasta llegar a ser de lo mejor que podemos encontrar por aquí.

Mantienen ese difícil equilibrio entre modernidad y tradición, asignatura en la que tantos otros fallan, para dejarnos piezas de tan pura belleza como este O Son Do Ar, que es ya todo un clásico en el folk español:



Su último trabajo en vivo es toda una joya, con interpretaciones de gran valor, como esta fantástica adaptación de una canción popular:



Y no quiero cerrar la entrada sin extraer de su penúltimo álbum, Camiños Da Fin Da Terra, este precioso homenaje a aquellos que mantuvieron durante siglos la tradición oral:



ECOS DO ALÉN (Ecos lejanos)

Hai un rumor que move o vento no ar
Que encolle a ialma cando o sintes
Hai un rumor que sabe a terra e a sal
Que aínda ten voz na que habitar
E algún rapaz teimando por preguntar
Descubrirá que hai mil historias
Nos ollos calmos de quen soubo gardar
Ecos do alén

Na súa voz
Está por destecer
En cada frase un cantar
Do que xa foi, do que ha de ser
Na súa voz
Quedou sen esquecer
Do tempo un maino alalá
Na súa voz

Non hai silencios si te vexo tentar
Coller na man o mundo enteiro
E así comenzan no teu berce a nevar
As verbas que deixa un ronsel
Antigas lendas da montaña e do mar
E contos nados na lareira
Van debuxando frente a ti, devagar
Ecos do alén

Na túa voz
A luz ha se prender
Mostrando as sombras que fan
Saber que hai máis do que outros ven
Na túa voz
Vieiros ancestrais
Terán alento, meu ben
Na túa voz

pmCastLIVE! num.1: Koko Taylor & Her Blues Machine

Inaguramos pmCastLIVE! (el podcast de Perlas Musicales) con un fabuloso concierto de la diva del blues Koko Taylor:

Koko Taylor & Her Blues Machine
Endless Summer Festival
La Grange, IL, USA
9 de agosto de 1998


Descarga

1. Intro
2. Crosscut Saw
3. I Just Want To Make Love To You
4. Koko Intro jam >
5. Can't Let Go
6. Rain On Your Parade
7. Beer Bottle Boogie
8. Come Home To Mama
9. I'm A Woman (Mannish Boy)
10. Jump For Joy
11. I'd Rather Go Blind
12. Bad Case Of Loving You
13. Band Intro jam (Catfish Blues)
14. Hound Dog
15. Wang Dang Doodle
Encore:
16. Big Boss Man

Duracion: 104 minutos
Formato: MP3 variable 192/256 kbps
Tamaño: 145 MB

Archivo original en Dimeadozen (requiere registro):
Versión 16/44.1
Versión 24/96

Locutor cortesía de vozme.com

El guerrero vencido

Hay veces en que se dan los factores favorables para que un producto artístico sea perfecto. Éste es uno de esos casos.
La ocasión fue una producción documental de Discovery Channel, donde se pretendía dar la vuelta a la archiconocida expresión How The West Was Won (cómo se conquistó el Oeste). En este caso se pretendía mostrar la visión de los vencidos, es decir, de los que perdieron el Oeste.
Para dotar de banda sonora al documental, el canal televisivo reunió a dos músicos de culturas muy distintas, pero que ya habían colaborado en más de una ocasión. El sonido elegante y occidental del piano de Peter Kater se unía con las profundas raíces de las flautas y la voz del músico nativo R. Carlos Nakai. El cálido sonido del piano resta sordidez a lo que podría ser un simple muestrario de cánticos nativos, mientras que la profundidad y autenticidad de la tradición rescata brillantemente al disco de terminar en el hilo musical del dentista de turno.


Peter Kater & R. Carlos Nakai - Flight Song

Mi preferido de esta banda sonora es el penúltimo tema, un canto de desesperación del antaño orgulloso guerrero que no puede hacer ya más que rendirse. El título lo dice todo: no lucharé más.


Peter Kater & R. Carlos Nakai - I Will Fight No More

El peso de la nostalgia

Hace un par de días recibí en mi salita de estar la visita de un viejo amigo, Mark Knopfler. Nos conocemos de toda la vida, y a veces viene a mi casa a tocar algunos temas acompañados de una cervecita. En todo este tiempo debe haber llegado a conocerme muy bien, dado que ha desarrollado la rara habilidad de tocarme justamente la fibra sensible con cada canción que escribe.

Es un tío metódico, como buen caballero británico, y casi siempre puedes saber lo que va a hacer a continuación. Pero esta visita fue especial, por inesperada, y me mostró algo que nunca había hecho, y hace años estaba deseando escuchar, una versión en directo de uno de los temas más bellos que conozco. Es un canto al peso de la nostalgia, a ese nudo que se forma al comprobar que apenas queda nada de los lugares donde has vivido, y que de verdad te has hecho viejo.


Mark Knopfler - A Place Where We Used To Live

UN LUGAR DONDE SOLÍAMOS VIVIR

Esta cocina vacía donde
dejaba pasar las horas.
Justo al lado de mi vieja silla
solías poner algunas flores.
Las estanterías de libros,
incluso los ganchos de los cuadros,
todo se ha ido,
pero mi corazón está enganchado.
Si este viejo barrio
sobrevivió a nosotros,
no sé cómo resistió
a todo lo nuestro.
Tú en la escalera,
puedo verte allí.
Todo se ha ido,
pero mi corazón está enganchado.
Una vez hubo una chica
que solía imaginar lo que sería.
Se fue al gran y ancho mundo.
Ahora ella es sólo un recuerdo.
Había una pequeña escuela aquí,
donde aprendí a escribir mi nombre.
El tiempo ha sido un poco cruel.
El tiempo no se avergüenza.
No es más que el sitio
donde solíamos vivir.
No es más que el sitio
donde solíamos vivir.
Ahora en otra ciudad,
llevas otra vida.
Vas de arriba a abajo,
y eres la esposa de algún otro.
Aquí en el polvo,
no hay rastro de nosotros.
Todo se ha ido,
pero mi corazón está enganchado.
No es más que el sitio
donde solíamos vivir.
No es más que el sitio
donde solíamos vivir.

El concierto completo en la KnopflerTK (requiere registro).

(foto: Abandonalia)

El valor del intérprete (II)

El gran Bob Marley creó este genial reggae, de temática muy cinematográfica, y luego llegó Dios y lo subió a lo más alto, allí donde la capacidad técnica se une con el buen gusto y el sentido musical de la excelencia.

El valor del intérprete

En algunas ocasiones (no muchas) se da la circunstancia que un intérprete al versionar un tema crea una obra maestra superando al autor original de la obra. En este caso, además, se da la circunstancia de que la intérprete era (y de hecho lo fue toda su vida) una completa desconocida cuando elevó la obra al plano donde sólo los grandes pueden llegar.
Lo que más me fascina de Eva Cassidy no es su calidad vocal propiamente dicha (que es altísima), sino la capacidad interpretativa para hacernos sentir como nuevas incluso canciones tan manoseadas ya como Over The Rainbow, What A Wonderful World, etc.
La perla de hoy viene perfecta para ilustrar esto que os digo. Hoy te propongo que escuches la versión original de Fields of Gold, que podríamos considerar una muy buena canción, y la versión en directo que grabó Eva Cassidy, donde ya sólo podemos hablar de obra maestra absoluta.

Sting - Fields of Gold


Eva Cassidy - Fields of Gold

La tragedia cotidiana

A mediados del siglo XIX, se produjo en Irlanda una profunda depresión (ríanse de lo que hoy llamamos crisis), debido a continuadas malas cosechas de patata, que era el alimento básico y casi única fuente de ingresos. La hambruna se apoderaba de la población campesina y los impulsaba a emigrar a otros países supuestamente más prósperos (¿a qué nos suena esta historia?).
En unas cinco décadas se calcula que emigraron a Estados Unidos unos ocho millones de irlandeses (casi el doble de la población actual de la República Irlandesa). La mayoría de ellos viajaban "con lo puesto" y con una enorme incertidumbre acerca de cómo iban a ser recibidos o qué tipo de trabajo iban a tener que aceptar. A eso hay que añadir una enorme tristeza en la partida, en un pueblo tan arraigado a la tierra y las costumbres como el irlandés. Las cartas, que tardaban meses en llegar, eran el único vínculo entre los emigrantes y sus familias que habían quedado en Irlanda.
El cantautor Peter Jones se basa en una serie de cartas enviadas durante treinta años por un padre a su hijo emigrado para hacer esta emotiva canción, convertida en obra maestra por tres grandes músicos: Mick Moloney, Robbie O'Connell y Jimmy Keane. Este video es de una magistral actuación de O'Connell en 1995:



Lo que más me impresiona de esta letra, es la forma tan sencilla con que un hombre humilde va desgranando los hechos de una tragedia cotidiana que aún hoy sigue ocurriendo en tantos lugares del mundo:

Kilkelly, Irlanda,
1860
Queridisimo hijo John:
tu buen amigo, el maestro de escuela,
Pat MacNamara ha tenido
la bondad de escribirte estas letras.
Tus hermanos se han ido todos
a Inglalerra a buscar trabajo.
La casa se ha quedado vacía y triste.
La cosecha de patatas
se ha echado a perder:
han salido malas entre un tercio y la mitad.
Tu hermana Bridget y
Patrick O'Donnell
se piensan casar en junio.
Dice tu madre
que no trabajes en el ferrocarril y
que procures volver pronto a casa.

Kilkelly, Irlanda,
1870
Queridisimo hijo John:
saludos a tu esposa
a tus cuatro hijos,
que ojalá se crien sanos fuertes.
Michael se ha metido
en ciertos lios,
supongo que nunca escarmentará.
Debido a la humedad,
no se encuentra carbon
ahora no tenemos nada que quemar.
Bridget esta muy contenta
le ha puesto su nombre a la niña,
ya tiene seis criaturas.
Dices que has encontrado trabajo,
pero no dices de que,
ni cuando vas a volver a casa.

Kilkelly, Irlanda,
1880
Queridos hijos Michael y John:
lamento daros
la triste noticia
de que ha muerlo vuestra madre.
La enterramos
en la iglesia de Kilkelly
vinieron vuestros hermanos y Bridget.
No os preocupeis,
murio muy deprisa,
recordadla en vuestras oraciones.
Es estupendo saber
que Michael piensa volver.
Si trae dinero, seguro que compra tierras,
pues la cosecha ha sido mala
la gente vende
al precio que quieran pagarle.

Kilkelly, Irlanda,
1890
Queridisimo hijo John:
supongo que andaré
cerca de los ochenta años,
hace va treinta que te marchaste.
Gracias a todo
el dinero que me has enviado
sigo viviendo por mi cuenta.
Michael se ha construido
una casa estupenda
las hijas de Bridget va son mayores.
Gracias por mandar
la foto de tu tamilia,
son chicas y chicos preciosos.
Dices que a lo mejor
hasta vienes de visita
¡Qué alegría volverte a ver!

Kilkelly, Irlanda,
1892
Querido hermano John:
siento no haberte escrito
antes para decirte
que papa ha muerto.
Vivía con Bridget,
que dice que estuvo alegre
y sano hasta el final.
¡Si lo hubieras visto
jugar con los nietos
de tu amigo Pat MacNamara!
Lo enterramos
al lado de mama
en el cementerio de la iglesia de Kilkelly.
Fue un hombre fuerte y
muy inquieto,
teniendo en cuenta la vida tan dura que llevó.
Es curioso, pero
no paraba de mentarte,
te llamo al final.
¿Por qué no te animas
a hacernos una visita?
A todos nos encantaria volverte a ver.

El genio olvidado

Peter Green ayer y hoy

Las circunstancias que rodean la carrera de Peter Green son muy parecidas a las que se dieron con Syd Barrett. Marcó el estilo de una banda emergente, la cual terminó por unos derroteros completamente diferentes después de su renuncia por problemas mentales. A lo largo de los años ha reintentado en ocasiones volver a grabar y actuar, pero nunca ha podido hacerlo con la suficiente constancia. Sin embargo, al contrario de Barrett, la obra de Green quedó casi olvidada hasta que uno de sus más fervientes admiradores, Gary Moore, rescató sus canciones para el fantástico Blues for Greeny (1995). Moore incluso atesora la guitarra Les Paul que Green utilizó para sus discos, y que tiene un defecto en las pastillas que le proporciona un sonido especial.
Fleetwood Mac nació en 1967 como una escisión de la John Mayall's Bluesbreakers. La banda alcanzó un éxito considerable en los primeros 70, haciendo un blues cortante y sin pulir, pero al mismo tiempo muy entroncado en los clásicos. Poco antes de la salida de Green, volaron a Chicago, donde grabaron unas míticas sesiones para la Blue Horizon junto a algunos de los grandes, como Willie Dixon y Otis Spann. Reorganizada la formación en varias ocasiones, alcanzaron el éxito internacional de nuevo mucho más tarde en los derroteros del pop.
Como muestra de la obra de Peter Green, nada mejor que el agrio lamento de este I Loved Another Woman:



Guitarra cortante, letras agrias y una voz perfecta para el lamento del blues, es el legado de un gran genio olvidado.


Peter Green - Long Grey Mare

Romper para avanzar

En esa edad en la que uno se empieza a dar cuenta de que hay algo más que lo que te ofrecen en los 40 Principales, el contacto, casi siempre casual, con ciertos artistas va formando el bagaje musical que luego llevarás en la mochila toda la vida. Eso me ocurrió a mí a los veintitantos años con este disco que hoy os traigo.
Hay ocasiones en que hace falta romper para avanzar, derruir para construir. Ésta ha sido la razón de ser de la extensísima obra del belga Wim Mertens. Eminente musicólogo, por un lado ha estudiado y seleccionado las colecciones de un reputado sello de música clásica, mientras que por otro ha grabado más de 50 discos caracterizados por un término, la ruptura, que es el que le da título a la perla que hoy os traigo.
Después de explorar las más variadas formas orquestales o solistas, se vió encasillado por la crítica en la escuela del llamado "minimalismo" junto a nombres el (intragable para mí) Philip Glass o el primitivo Michael Nyman. Pero su espíritu es demasiado libre para verse atado, así que Mertens para su decimoprimer disco se sacó de la manga una nueva forma de expresión, con un canto en "falsete" inconfundible (los técnicos lo llaman contratenor). Ese disco, A Man Of No Fortune And With A Name To Come (1986), únicamente abrió un camino que, cinco años después, llevó a la cumbre en una auténtica obra maestra: Stratégie de la Rupture (1991).


Wim Mertens - Houfnice

El piano desgrana sus notas como si de un fluido se tratara, mientras que la (en principio chocante) voz de Mertens se nos va metiendo dentro con un apasionamiento totalmente ajeno a la frialdad minimalista. La combinación no nos puede dejar indiferentes. No hay letra, son sólo sílabas sueltas de pronunciación flamenca sin significado. El significado es lo que el espectador siente, nada más.


Wim Mertens - Darpa

Haciendo música tan inusual, resulta asombroso que Mertens haya alcanzado a lo largo de los años un éxito comercial más que considerable. La multinacional EMI ha reeditado y recompilado su obra en multitud de ocasiones y su producción es de tres-cuatro discos al año desde hace dos décadas. Su tema más conocido, el precioso Close Cover ha sido utilizado a menudo en bandas sonoras, sintonías de programas y publicidad.

Perla acústica, rey eléctrico

Me acerco hoy a otro rey, en este caso el Rey del Blues de Texas, el gran Freddie King.
Criado, musicalmente hablando, bajo la tutela de Howlin' Wolf, King se caracterizó especialmente por la potencia de su sonido en directo. Sin embargo, la perla que hoy os traigo de él es una preciosa excepción. Corresponde a su única actuación acústica que hay registrada, realizada en un programa de radio a principios de los 70.


Es una bellísima interpretación del clásico I Believe I Dust My Broom, donde King sube su tono de voz para imitar claramente al intérprete original, Robert Johnson. Por un momento nos imaginamos que el genio de Mississippi hubiera subido de los infiernos aquel día (o Skip James bajado de los cielos). La interpretación es sobrecogedora.

Para contrastar, os dejo aquí el mismo tema tocado con su banda. Ambas grabaciones se pueden encontrar en el extraordinario disco "Live at the Electric Ballroom, 1974"

¡Vaya lunes!

Me vais a permitir acercarme a uno de los temas imprescindibles para entender el blues, el Stormy Monday que creara T-Bone Walker en 1947, y que ha sido versionado en multitud de ocasiones por todos los artistas grandes o pequeños del blues.

T-Bone Walker - They Call It Stormy Monday (But Tuesday Is Just As Bad)

Uno de los encantos que tiene este tema para mí es la sencillez con la que expresa, en el más puro estilo blusero, sin rodeos ni adornos de ningún tipo, la desesperación de quien vive sumido en la rutina diaria sin poder tener lo que desea:

Lo llaman el tormentoso lunes,
pero el martes es igual de malo.
El miércoles es aún peor,
y el jueves es horrible.
El águila vuela el viernes,
y el sábado salgo a divertirme.
El domingo voy a la iglesia,
me pongo de rodillas y rezo.
Señor ten piedad,
ten piedad de mí,
he perdido a mi nena,
por favor traela de vuelta a casa.

Os presento mis dos versiones favoritas, de dos monstruos de la guitarra. Cada uno a su estilo recrea el tema magistralmente:


Albert King, en vivo en Montreux en 1973, la elegancia personificada. Fijaos en la fantástica sección de bajo/batería.


Eric Clapton, en la reunión de Cream del 2005, demostró porqué tenemos que seguir considerandolo en otra galaxia.