Perla Express: Mícheál Ó Domhnaill

Hay momentos en que la música te sobrepasa y se te cae la lagrimilla...

Ecos de un mundo perdido

Irlanda es en muchos aspectos un mundo aparte. Allí puede ocurrir que pertenecer a una familia enteramente dedicada a la música y haber participado en una de las bandas más importantes de la historia del folk no sea una ventaja, sino más bien lo contrario, para desarrollar la creatividad.
Eso debió pensar Mícheál Ó Domhnaill cuando se decidió a dar el salto e irse a tocar con su amigo Kevin Burke a uno de los sitios más insulsos de Estados Unidos. Fue allí donde conoció al también violinista Billy Oskay (de Kingston, NY) y su música dio un giro hacia la fusión con estilos más internacionales, rayando con la música de cámara, el jazz o la new age.
Tras un disco de debut denominado Nightnoise, el dúo pronto se convirtió en cuarteto con la incorporación de la hermana de Mícheál (Triona) al piano y el flautista irlandés (procedente de la clásica y el jazz) Brian Dunning. Ficharon por el emergente sello Windham Hill, bajo el nombre de Nightnoise.
Fueron saliendo discos, donde las composiciones de Triona y Brian poco a poco fueron tomando más protagonismo. Cuando Oskay dejó la banda, su reemplazo fue nada menos que el mítico Johnny Cunningham (el hermano de Phil). Nightnoise al final terminó siendo completamente Británica, cerrando su particular viaje de ida y vuelta. Aún saldrían varios discos antes de que la prematura muerte de Mícheál y de Johnny disolvió la banda.
De su propuesta instrumental, lo que más me ha llamado siempre la atención es la total ausencia de percusión, suplantada en su labor rítmica por la omnipresente guitarra-metrónomo de Ó Domhnaill. Por otra parte, si algo puedo decir acerca de la sensación que me produce su música, tendría que ser "nostalgia". Quizá porque los conocí en una edad tierna y porque verlos en vivo fue una de las experiencias más fascinantes de mi juventud. O también quizás porque el propio estilo y forma de ser de su música nos tiene que llevar necesariamente hacia los ecos de un mundo perdido, una tierra de nadie entre fronteras donde pocos se han adentrado con éxito, y mucho menos han vuelto para contarlo. Una tierra abonada con el infinito buen gusto, cultivada con delicadeza y edulzada con suaves teclados y voces susurrantes. Una pura delicatessen, ni más ni menos.
Hace unos días, mi amigo Julio me pidió que colaborara en su blog haciendo un "grandes éxitos" en Spotify de algún artista. Inmediatamente se me vino a la cabeza Nightnoise, aunque hacía años que no desempolvaba sus viejos CDs. Tengo que agradecerle a él que su propuesta me haya traido de nuevo a un amor olvidado. Por desgracia, la discografía en Spotify está muy incompleta, así que voy a completarla aquí con lo que para mí son sus dos obras maestras: la sublime The Cricket's Wicket y (uno de los fijos en sus directos) la versión del Moondance de Van Morrison.

Tierra llamando a Tom

En 1969 el ser humano estaba a punto de dar ese paso de gigante, y la temática espacial lo llenaba todo. David Bowie, un camaleón acostumbrado a adaptarse a mil estilos, captó todo ese sentimiento espacial (aparte de otro que se lee entre líneas) en esta preciosa canción de tintes psicodélicos, con video inspirado directamente en 2001:

SPACE ODDITY (EL RARITO ESPACIAL)

Control de Tierra a Mayor Tom

Control de Tierra a Mayor Tom

tome sus píldoras de proteínas y pongase su casco.

Control de Tierra a Mayor Tom

comenzando cuenta atrás, motores encendidos

compruebe la ignición y que Dios lo acompañe.

Diez, nueve, ocho, siete, seis, cinco,

Cuatro, tres, dos, uno, despegue

Aquí Control de Tierra a Mayor Tom

En verdad ha ascendido

Y los periódicos quieren saber las camisas que usa

Es hora de abandonar la capsula si se atreve

Aquí Mayor Tom a Control de Tierra

Estoy atravesando la puerta

Y estoy flotando en una manera muy peculiar

Y las estrellas lucen muy diferentes hoy

Aqui

Estoy sentado en esta lata

Lejos, encima del mundo

El planeta Tierra es azul

Y no hay nada que pueda hacer

Aunque he viajado cien mil millas

Me siento inmovil

Y creo que mi nave espacial sabe hacia donde ir

Diganle a mi esposa que la amo, ella lo sabe

Control de Tierra a Mayor Tom

Sus circuitos no funcionan, algo esta mal

Me escucha Mayor Tom?

Me escucha Mayor Tom?

Me escucha Mayor Tom?

Me.....

El gran Hank Marvin hizo esta maravillosa versión:

A pesar de ser una de las canciones más recordadas de Bowie, no han sido muchas las versiones. En 1999, la rescató Natalie Merchant (ex de 10,000 Maniacs) en una brillante interpretación para su trabajo Live in Concert.

Por último, no podemos olvidar que esta canción tuvo su versión casposa en manos de los Hermanos Calatrava, la cual por motivos sanitarios no reproducimos aquí.

Nico Gómez: Música en libertad

Hace algún tiempo nos hacíamos eco del primer trabajo de un prometedor músico, Nico Gómez. Hoy ya podemos hablar de toda una realidad que nos regala ahora un fantástico segundo trabajo repleto de buenas canciones. Es un salto adelante gigantesco, tanto en producción como en variedad de estilos:


Nico Gómez - Give me a reason



A continuación reproducimos una entrevista que nos ha concedido en en exclusiva para Perlas Musicales:

ENTREVISTA
Hola Nico, gracias por atendernos. ¿Puedes hablarnos en primer lugar de tus orígenes como músico? ¿En qué proyectos has estado involucrado?

Bueno, desde que tengo uso de razón estoy interesado por la música, pero hace unos 20 años me compré mi primera guitarra con parte del dinero de una beca. estuve varios años aprendiendo con un gran maestro clásico, y luego varios años en el conservatorio. Posteriormente fuí aprendiendo de forma autodidacta a base de escuchar y escuchar muchos discos.

He formado parte de varias formaciones donde tocaba algun tema propio, pero sobre todo muchas covers. El último proyecto fué una banda tributo a Mark Knopfler y Eric Clapton. Estuvo bien, pero componer y tocar tus propias canciones es un paso más. ahora mismo no volvería a una banda de covers, seria retroceder de nuevo.

Tú eres un artista amateur, que tiene que compaginar un empleo rutinario con la creación artística. ¿Cuales son las dificultades con las que te encuentras para producir tus obras?

para componer no tengo ningun problema, solo me hace falta la acústica y poco más. Lo que realmente es complicado es realizar todo el proceso de producción de un disco, porque tienes que dedicarle prácticamente todo el tiempo libre que te queda al día, y tienes que sacrificar a otras cosas importantes de tu vida. Una locura.

En tus discos hay muchas influencias, pero una de ellas es especialmente marcada. ¿Cómo calificarías tu relación con la obra de Mark Knopfler?

La música de Mark Knopfler siempre ha estado relacionada con mi vida, cada parte de mi vida lleva su música de fondo. No hace falta que diga nada más ¿verdad?.

Aparte de Knopfler, ¿qué otras influencias han sido importantes para crear este segundo trabajo?

Por supuesto J.J. Cale, pero también gente como Wayne Raney, Emmylou Harris o Willie Nelson. Aunque hay algunas influencias del folk celta en este trabajo.

En "Free as a Bird" has contado con un nutrido grupo de colaboradores. ¿Cómo contactaste con ellos y cómo ha sido la experiencia trabajando juntos?

Ha sido muy fácil, simplemente invitaba a colaborar conmigo a todo aquel de mi entorno que pudiera aportar algo al proyecto. Si necesitaba un traductor lo buscaba entre mis amigos y lo invitaba a unirse al proyecto, si necesitaba un técnico de sonido pues lo mismo, y si necesitaba a un diseñador gráfico igual. Mi experiencia ha sido fabulosa, he aprendido mucho de ellos, pero lo mejor es que todos ellos se han sentido bien al estar involucrados en free as a bird, sea cual sea su grano de arena, y eso al final, se hace notar en la propia música.

Es especialmente marcada la presencia de Roberto Sánchez ("Next Train", "Paid in Kind", ...) ¿Cómo calificarías su participación?

su aportación es magistral, ha enriquecido mi música, sin duda. Sigo a Roberto desde hace tiempo y me gustan todos sus trabajos. Entiende perfectamente lo que pretendo expresar porque vamos en la misma onda. Además no me cansaré de decir que es una persona formidable y amable, todo un Gentleman como se diría por ahí arriba.

En este trabajo descubrimos la gran voz de Peter Seetaler, que evoca al mismísimo Elvis o a los grandes del Country. ¿Cómo lo conociste? ¿Ha sido complicado trabajar con él en la distancia?

Me gusta mucho el Country, también Elvis, así que seguía a Peter desde su canal de Youtube. Un día le pregunté si queria cantar una de mis canciones y aceptó. Nos gustó el resultado y compuse un par de canciones más pensando en su registro de voz, y funcionó. Alguien me comentó que estas canciones parecen estar grabadas hace 50 años. Me alegro al escuchar estos comentarios pues es justo lo que pretendí.

A pesar de la distancia no ha sido para nada complicado el entendernos. la música camina sola si hay feeling.

Supongo que las canciones habrán ido moldeándose con el contacto con estos grandes artistas ¿Cómo se fueron fraguando las canciones? ¿Cuáles son anteriores al comienzo de los trabajos y cuáles surgieron después?

Hay de todo un poco, canciones compuestas exclusivamente para las voces y arreglos de estos músicos como en "the wise vagabond", donde pude pensar previamente los futuros arreglos y desarrollar la canción acorde a estas incorporaciones. Canciones hechas anteriormente y luego cantadas por ellos como "will this ever end? " o "the sailor goes to town". Y luego hay canciones como "acabado" que compuse en los 90 con el texto original en español, la cual he recuperado y revestido en este disco.

¿Cuál o cuáles son las canciones de las que te sientes más orgulloso?

Yo solo soy alguien que está aprendiendo sobre el camino, por eso pienso que mis canciones, por distintos motivos, no han tenido todas ellas las mismas oportunidades de sonar como se merecen.

Pero he de confesar que si cojo mi guitarra y toco, me siento muy orgulloso de haber escrito Darling love, porque está hecha directamente desde el corazón, digamos que es muy personal. Otra cosa es el resultado final, que puede no ser el esperado, y vas más alla de lo que es básicamente una canción.

Si tuvieras que calificar esta obra con sólo tres adjetivos ¿cuáles elegirías?

Me gustaría que esta pregunta la contestara los seguidores de este blog "Perlas Musicales", ya que son los que tendrán que calificar mi trabajo, no yo. Pero en general diria que es un disco que se deja escuchar, "agradable".

¿Qué esperas que capte el oyente con esta obra? ¿Qué sensación querrías que le quedara al terminar de escucharlo?

No espero nada en especial, cada uno capta la música de una forma diferente, una misma canción puede ser interpretada de distintas formas segun quien y cuando se escuche. Lo principal es que llegue al corazón del que la escuche y que capte lo que su corazón le diga, será entonces cual mi canción forme parte de su vida. como me ocurre a mí con las canciones que escucho.

¿Hacia dónde va tu música? ¿Cuáles son tus proyectos de futuro? ¿Qué podemos esperar después de este segundo álbum?

Es bastante más simple de lo que uno se imagina, mi música irá a donde querais todos vosotros que vaya. Hoy en día es fácil divulgar algo que nos gusta, tenemos muchas herramientas para hacerlo, como son las redes sociales. Si verdaderamente a alguien le interesa mi música, puede divulgarla por estas redes y llegar a todos los rincones.

No tengo un proyecto de futuro en mente, he quedado un poco exhausto con este proyecto y me apetece parar un poco y centrarme en otras cosas importantes como mi familia. Ahora bien, no puedo negar que me gustaría interpretar mi música en directo con otros músicos y sentirla más viva que nunca. Quien sabe, quizás sea mi próximo paso.

Muchas gracias, Nico, por atendernos. Desde Perlas Musicales te deseamos lo mejor con este trabajo y seguiremos atentos a tu carrera.

Historia y mito de Donald McGillavry

Estamos a finales del siglo XVII. Durante siglos, diferentes clanes han intentado hacerse con el poder en las Islas Británicas (por entonces, nada más lejos de un Reino Unido). La clave, como sigue siendo ahora, era la lucha continua por el poder entre las religiones católica y protestante. En 1685, el rey Carlos II de Inglaterra, protestante, había muerto sin herederos y ahora la corona la ostentaba su hermano Jacobo (en la imagen) que era católico y también tenía el trono de Escocia.

Jacobo tenía una hija, María, que el rey Carlos había educado en el protestantismo, contando con que fuera la heredera. Pero cuando Jacobo tuvo un hijo varón, los protestantes tuvieron que reaccionar. En cuestión de días, y sin apenas derramamiento de sangre, se consumó el golpe de estado y la hija de Jacobo y su marido Guillermo de Orange fueron proclamados reyes, mientras que Jacobo tenía que huir precipitadamente a Francia. Este país, que apoyaba la dinastía jacobita, terminó enzarzado con Inglaterra en una eterna guerra que duró cien años. Los ecos de aquella conmoción siguen

resonando en la sociedad británica, tres siglos después.

Dado que Jacobo era el heredero legítimo de la familia Estuardo y del reino de Escocia, su derrocamiento reforzó el sentimiento nacionalista en los Highlands, que desde entonces fueron el feudo de los jacobitas. Poco después, Escocia fue forzada a integrarse en la corona de Inglaterra y, durante siglos, no hubo un conflicto o guerra civil en las Islas en las que no estuvieran involucrados los jacobitas, en su eterna lucha por restaurar la casa de los Estuardo, algo que jamás consiguieron.

Alrededor de 1715, con el fervor nacionalista al máximo, surge una tonada popular donde un tal Donald McGillavry es llamado a luchar por el rey Jacobo encarnado en las sucesivas estrofas como un tejedor, un sastre, un zapatero y por último en el mismo diablo. La letra está llena de metáforas en un lenguaje enrevesado, casi intraducible. El personaje de McGillavry hoy se cree que no existió como tal, sino que encarna al pueblo escocés. La canción en realidad era un mensaje secreto llamando al levantamiento de los jacobitas con un lenguaje que sólo ellos entendieran:

...Donald se endureció con el saqueo y el pillaje.

Donald cenó con reyes y mendigos.

Mejor le fuera a los traidores

encontrandose al diablo en vez de a Donald McGillavry.

Ven como un tejedor, Donald McGillavry.

Ven como un tejedor, Donald McGillavry.

Empuja dentro y fuera, ensarta con ingenio.

Por el rey Jacobo y Donald McGillavry...

Os podeis imaginar qué es lo que iba a ensartar el tejedor...

Saltamos ahora unos cuantos siglos, hasta 1980 en el que un grupo de músicos que llevaban unos años tocando en clubs de Edimburgo publica un disco titulado So Many Partings (Tantas Despedidas) que incluía una versión renovada de la vieja tonada revolucionaria, que volvía de nuevo para revolucionar, en este caso incruentamente, al mundo de la música. Con el tiempo, la inconfundible voz de Andy Stewart y el virtuosismo de los hermanos Johnny y Phil Cunningham marcarían un antes y un después en la música escocesa bajo el nombre de Silly Wizard.

Silly Wizard - Donald McGillavry/O'Neill's Cavalry March

En directo la banda solía acelerar grandemente el ritmo, lo que en mi opinión le hace perder el gesto altivo, tan ajustado a la temática, que tiene la versión de estudio. Sin embargo, no deja de ser una perla vocal e instrumental como ha habido pocas.

Perla express: Diamonds By The Yard

Dicen que cada artista tiene una canción que le perseguirá de por vida...





DIAMANTES A MONTONES

Mientras lo dejo con mi chica
los sonidos de la noche me dan calor.
Vivo una vida de ciudad - Vivo quizás.
Pero esta noche no hay razon para ser fuerte.

Poetas románticos guardan la oscuridad,
todos en una edad tan temprana.
Un viejo derrama una lágrima.
Abre un pequeño medallón de oro.
Pensó que su pequeña se perdió en un ataque de los indios.

En algún sitio entre estas luces nocturnas descansa la respuesta,
y puedes tener diamantes a montones.
Un sueño de Tiffany - Una bailarina de porcelana.
Un viejo tocando una guitarra de blues.

Me rindo a la medianoche.
Vivo bajo tu antiguo hechizo.
Has sido mi amante desde que recuerdo.
Salvaste mi vida con las historias que cuentas.

pmPlayLIVE! num 2: Tony McManus

El escocés/irlandés Tony McManus es (según el gran John Renbourn) el mejor guitarrista vivo de la música celta.

Durante su carrera, desde 1996 hasta la actualidad, ha conseguido dar a la guitarra (un instrumento secundario en la tradición celta) el lugar destacado que le corresponde. Su mayor logro ha sido no sólo transcribir el estilo de la gaita o el violín, como habían hecho otros antes, sino crear un sonido propio del instrumento.

La grabación que os traigo hoy a nuestro playlist es una auténtica joya de buen gusto. Se trata de una reciente sesión en vivo en la BBC, a solas con su guitarra acústica. McManus nos hace una selección variada de tonadas celtas, música bretona, clásica y jazz.

Tony McManus in session for BBC Radio 3 "World on 3" FM 2010.06.18

1 The Maids of Mitchelstown

2 Si Dolce El Tormento

3 Donal Og/The Lea Rig

4 Valse des Belugas

5 Goodbye Pork Pie Hat

La grabación completa del programa (con entrevista incluída) en Dimeadozen.

Blues de ahora (2): Matt Schofield

PRESENTACIÓN DE LA SERIE

Quiero acercaros en esta serie "Blues de ahora" un buen puñado de artistas, muchos de ellos desconocidos para el gran público, que beben de los clásicos y al mismo tiempo ponen su propia semilla y hacen que el futuro del blues de calidad esté asegurado por muchos años.

Matt Schofield es un fantástico guitarrista británico que desde 2004 está forjando una sólida y personal forma de hacer blues, siempre a la búsqueda de formatos poco usuales.

Incluso su debut discográfico fue atípico, puesto que se estrenó nada menos que con dos discos en vivo (The Trio Live -2004- y Live At The Jazz Café -2005), donde exploraba el formato de organ trio (guitarra+órgano+batería), más relacionado con el jazz que con el blues propiamente dicho. En los tres discos en estudio que continuaron (2005, 2007 y 2009), fue progresivamente dando entrada al bajo formando ya de hecho un cuarteto, aunque en ciertos conciertos recupera el trío.

Su estilo está sólidamente basado en el blues de los grandes (podemos ver destellos de muchos de los guitarristas míticos como Stevie Ray Vaughan o Freddie King), y al mismo tiempo da paso a detalles estilísticos del jazz, el funk, o incluso el hard rock.

Con gente como ésta, el blues tiene muchísimos años de gloria por delante.

Matt Schofield - What I Wanna Hear

Matt Schofield Trio - Ear To The Ground

Blues de ahora (1): The Insomniacs

PRESENTACIÓN DE LA SERIE

Quiero retomar el blog después del verano con una serie de artículos que llevo cierto tiempo madurando. Cuando hablamos del blues, inmediatamente pensamos en los grandes clásicos (y a muchos de ellos he dedicado más de un artículo). Pero el blues es mucho más que eso. Constantemente van saliendo nombres que le van dando su sello particular a esta música eterna de fuentes inagotables. Quiero acercaros en esta serie "Blues de ahora" un buen puñado de artistas, muchos de ellos desconocidos para el gran público, que beben de los clásicos y al mismo tiempo ponen su propia semilla y hacen que el futuro del blues de calidad esté asegurado por muchos años.

The Insomniacs es una banda originada en Portland (Oregon), y formada por Vyasa Dodson (voz, guitarra y principal compositor), Dean Mueller (bajo), Alex Shakeri (piano y hammond) y Dave Melyan (batería). Todos ellos son muy jóvenes y no provienen de otras bandas, por lo que podríamos considerarlos auténtica savia nueva para el blues.

Su música combina un estilo basado en el blues, el swing y el boogie más clásicos con un aire muy fresco y particular. Podemos decir que sus discos no tienen nada de revolucionarios, pero al mismo tiempo tienen ese olor cautivador de los libros recién impresos. Todo ello va adornado sin tacañería en los pasajes instrumentales, sobre todo por su extraordinario teclista.

Hasta el momento han publicado en sellos independientes (promocionados por el puro boca a boca): West Coast Blues (2007) y At Least I'm Not With You (2009), cosechando un buen número de galardones de los habitualmente reservados a los artistas noveles. Os dejo una muestra de cada uno de ellos.

The Insomniacs - Serves Me Right (live)

The Insomniacs - Broke And Lonely

Talento a rebosar

Hace poco os traje el debut de Nico Gómez, y hoy tengo el placer de hacer lo mismo con otro nuevo talento andaluz que publica también de manera independiente. Tras el nombre de Paid In Kind se esconde el de Roberto Sánchez, un gran guitarrista (forjado a base de practicar punteos de Mark Knopfler hasta la saciedad), que ahora se nos presenta como compositor y productor.
El álbum, Over Steel Rails, grabado junto a excelentes músicos y cuidadísimo en su presentación, está rebosante de talento y de ganas por tocar todos los palos y jugar en todos los terrenos. Precisamente es su densidad la mayor pega que se le puede poner. En todo caso, una buenísima inversión para nuestros oídos, cosa que podéis comprobarlo vosotros mismos en este tema que os traigo, y en las muestras que encontraréis en su web.


Paid In Kind - Who And Why

Para saber más: entrevista en elnicodecadi

Más natural imposible

El británico Guy Fletcher podría muy bien apodarse El Hombre En La Sombra, dado que su carrera ha estado permanentemente ligada a una estrecha colaboración con Mark Knopfler en todos y cada uno de sus proyectos. Durante esos años ha ido pasando de una limitada presencia en los teclados a poco a poco convertirse en arreglista, productor, ingeniero de sonido y director musical en muchos de los trabajos del ex-lider de Dire Straits.

En 2008 se decide por primera vez a dar forma a sus propias composiciones y publica Inamorata, un muy tímido debut donde se pueden encontrar buenas canciones y destellos de buen hacer, impregnados de sonido británico a lo Paul McCartney y detalles semi-escondidos de country y folk.

Sin embargo, tendrá que ser en 2010 cuando su producción llegue a la madurez con esta perla que os traigo hoy, Natural Selection, que más que una continuación es una explosión de buen hacer, arreglos y sonidos cuidadísimos, naturales al 100% (predominantemente acústicos y folkies), y lo más importante, composiciones plenas de buen gusto. En conclusión, un disco que da gusto escuchar de principio a fin, y tan homogéneo que me resulta difícil extraer un tema destacado. Me he decidido por este que abre el disco, ejemplo perfecto de ese sonido natural plenamente conseguido a base de armonías vocales, piano, violín, guitarras acústicas y lap steel. Una delicia para los oídos.

Guy Fletcher - Flame Of Blue

Gloriosa progresión

Según ciertos tratados musicales, podemos llamar música progresiva a aquella que "explora estructuras musicales extendidas de patrones y texturas instrumentales intrincados, generalmente con trasfondo esotérico". A finales de los 60 y principios de los 70, los avances tecnológicos en los estudios de grabación y la popularización de los soportes musicales de gran formato (LP) permitieron que ciertos artistas fueran más allá del sota-caballo-rey del rock tradicional hacia obras de gran complejidad. Fueron los tiempos dorados de King Crimson, Yes, Genesis, etc. que darían paso unos años después a Pink Floyd con algunas de las más gloriosas obras musicales del siglo XX.

La perla que os traigo hoy es de una de las bandas que quedaron un poco en segundo plano tras los grandes del género. Manfred Mann es un músico de origen sudafricano que emigró a Inglaterra y bebió de las mieles del éxito entre el rhythm & blues y el pop sesentero. Sus mayores éxitos fueron Sha-La-La y Do-Wah-Diddy-Diddy, por cuyos nombres no podemos prever nada de la profundidad que más tarde tomaría su trabajo con la formación de la Manfred Mann's Earth Band. En 1973, con el movimiento progresivo en su máximo apogeo, Mann crea su obra maestra Solar Fire, mezclando obras de música clásica con otras de su propia cosecha y de otros artistas contemporáneos, todo aliñado con un trasfondo ecológico y espiritual muy propio de la época.

Lo que os presento hoy es una adaptación asombrosa de una canción de Bob Dylan. En su letra se puede leer entre líneas los motivos por los que Mann salió de su país natal: la oposición al apartheid.

En la foto: La Earth Band en la actualidad



Manfred Mann's Earth Band - Father Of Day, Father Of Night

pmPlayLIVE! num 1: JJ Cale

Todos los artistas tienen su momento dulce, donde la inspiración, las ganas y la oportunidad confluyen a su máximo nivel. En el caso de JJ Cale, para mi gusto ese momento dulce se produjo a mediados de los 70. Tenemos un ejemplo clave de ese periodo en el magnífico video de 1979 donde aparece junto a Leon Russell, que quizá algún día aparezca por este blog.

Hoy inauguro un nuevo formato de playlist con un fabuloso concierto del genio de Oklahoma, registrado en 1975 en Denver. El sonido es algo defectuoso, pero bien vale la pena por la extraordinaria ejecución de Cale y su banda.

JJ Cale

13 de febrero de 1975

Ebbett's Field, Denver, Colorado

Mi nombre es Dixon... Alex Dixon

Alex Dixon, pianista y compositor (nieto del legendario autor Willie Dixon), reúne en Rising From The Bushes (2009) a toda una constelación de grandes músicos, con los que desarrolla un puñado de buenas canciones creadas por él mismo, junto a algunas recuperadas del enorme legado de su abuelo.

El resultado es espectacular, y uno de los mejores discos de blues que he escuchado recientemente. Altamente recomendado.

Como muestra, este estupendo Fantasy que cuenta con una colaboración de altura: la guitarrista y cantante Marcy Levy, co-creadora del famoso tema de Clapton Lay Down Sally:

Como no podía ser de otra forma, encontramos además un par de temas del gran Willie Dixon, ambos ejecutados de manera más que notable, como este mítico Down In The Bottom, con la participación de David Dills:

pmCastLIVE! num.3: North Mississippi Allstars

Hoy os traigo al podcast un power trio muy joven y de muchos kilates. ¡A disfrutarlo!

NORTH MISSISSIPPI ALLSTARS
The Berkeley Church, Toronto
9 de noviembre de 2005

Repertorio:
1) Mississippi Bollweevil
2) Hurry Up Sunrise
3) Ship
4) Georgia Women / Po Black Maddie / Skinny Woman / Po Black Maddie
5) Horseshoe
6) Freedom Highway
7) Mean Ol' Wind Died Down
8) Poor Boy Long Way From Home / Snake Drive

Duración: 55:55

La banda:
Luther Dickinson - lowebow, guitars & vocals
Cody Dickinson - drums & keyboards
Chris Chew - bass & vocals

Fuente: Dimeadozen

De tal palo...

El gaditano Nico Gómez nos brinda en su primer disco (In My Sky So Blue, 2009) algo más que una colección de canciones. En él podemos recorrer, casi como si de un álbum de fotos se tratara, toda una vida empapada del pragmatismo de J.J. Cale, de la elegancia de Mark Knopfler o de la inagotable búsqueda creativa de Camel.
Como muestra os extraigo este tema, con un gran contrapunto entre el comienzo inquietante marcado de silencios y la poderosa guitarra final de corte knopfleriano. Excelente.


Nico Gómez - A New Horizon

Y aquí el single, Follow This Truck:

Más allá de las seis cuerdas

Dada la distancia que existe entre los mercados discográficos español y argentino, y teniendo en cuenta que el bajista Marcelo Torres edita en un sello independiente, no es de extrañar que haya tardado seis años en obtener una copia de este magnífico Constructor de Almas (2003), su segundo trabajo en solitario.
En él, Marcelo deja en segundo plano su prodigiosa habilidad con el bajo de seis cuerdas, para presentarse como un sólido y competente compositor y productor. Es un trabajo serio, mucho más jazzístico que su primer disco (Edad Luz, 1993), de factura impecable y que se puede escuchar sin fatiga de principio a fin. Totalmente recomendable.


Marcelo Torres - Identidad


Marcelo Torres - Nuestro Barrio

Como muestra de su anterior trabajo, os dejo esta magnífica pieza que me encanta, tocada íntegramente al bajo:


Marcelo Torres - Danza

pmCastLIVE! num.2: Pink Floyd

Se podría escribir un libro (y seguramente se ha hecho) sobre el décimo álbum de Pink Floyd (Animals): sobre la obsesión egocéntrica de Roger Waters, sobre las luchas internas por los créditos de las canciones, sobre la accidentada sesión fotográfica con las fuerzas aéreas intentando atrapar el cerdo hinchable a 18.000 pies de altura, sobre el no menos accidentado tour donde hubo de todo y Waters terminó de los nervios increpando a las audiencias, sobre
la controversia entre los que piensan que la temática es una crítica al capitalismo y los que creen que lo es del comunismo, etc. etc.

Sea como fuere, la imagen del cerdo volando sobre la central eléctrica de Battersea ha quedado como un icono del siglo XX, y el crudo sonido de esta fabulosa obra maestra ha dejado huella en generaciones.

Hoy os traemos para nuestra segunda edición del podcast de Perlas Musicales una impagable grabación del grupo tocando en vivo el disco completo en el Oakland Alameda Coliseum el 9 de mayo de 1977.

Pink Floyd
1977-05-09
Oakland, California, USA
Oakland Alameda Coliseum Arena

1. Sheep
2. Pigs on the Wing (Part 1)
3. Dogs
4. Pigs on the Wing (Part 2)
5. Pigs (3 Different Ones)

Banda:
* David Gilmour - guitarra y voz
* Roger Waters - bajo y voz
* Richard Wright - teclados
* Nick Mason - batería
* Snowy White - bajo, y guitarra en #4

Duración: 55 minutos
Formato: MP3 variable 192/256 kbps
Tamaño: 75 MB
Fuente: Dimeadozen (requiere registro)

Descarga

Locutor cortesía de vozme.com

Raíces y buen hacer

Por primera vez tengo el gusto de traer por aquí un grupo español. Luar Na Lubre, formado en Coruña en 1988 ha sabido cimentar su carrera en la constancia, el perfeccionamiento y el buen hacer (esas cosas que tan poco se llevan hoy día), hasta llegar a ser de lo mejor que podemos encontrar por aquí.

Mantienen ese difícil equilibrio entre modernidad y tradición, asignatura en la que tantos otros fallan, para dejarnos piezas de tan pura belleza como este O Son Do Ar, que es ya todo un clásico en el folk español:



Su último trabajo en vivo es toda una joya, con interpretaciones de gran valor, como esta fantástica adaptación de una canción popular:



Y no quiero cerrar la entrada sin extraer de su penúltimo álbum, Camiños Da Fin Da Terra, este precioso homenaje a aquellos que mantuvieron durante siglos la tradición oral:



ECOS DO ALÉN (Ecos lejanos)

Hai un rumor que move o vento no ar
Que encolle a ialma cando o sintes
Hai un rumor que sabe a terra e a sal
Que aínda ten voz na que habitar
E algún rapaz teimando por preguntar
Descubrirá que hai mil historias
Nos ollos calmos de quen soubo gardar
Ecos do alén

Na súa voz
Está por destecer
En cada frase un cantar
Do que xa foi, do que ha de ser
Na súa voz
Quedou sen esquecer
Do tempo un maino alalá
Na súa voz

Non hai silencios si te vexo tentar
Coller na man o mundo enteiro
E así comenzan no teu berce a nevar
As verbas que deixa un ronsel
Antigas lendas da montaña e do mar
E contos nados na lareira
Van debuxando frente a ti, devagar
Ecos do alén

Na túa voz
A luz ha se prender
Mostrando as sombras que fan
Saber que hai máis do que outros ven
Na túa voz
Vieiros ancestrais
Terán alento, meu ben
Na túa voz

pmCastLIVE! num.1: Koko Taylor & Her Blues Machine

Inaguramos pmCastLIVE! (el podcast de Perlas Musicales) con un fabuloso concierto de la diva del blues Koko Taylor:

Koko Taylor & Her Blues Machine
Endless Summer Festival
La Grange, IL, USA
9 de agosto de 1998


Descarga

1. Intro
2. Crosscut Saw
3. I Just Want To Make Love To You
4. Koko Intro jam >
5. Can't Let Go
6. Rain On Your Parade
7. Beer Bottle Boogie
8. Come Home To Mama
9. I'm A Woman (Mannish Boy)
10. Jump For Joy
11. I'd Rather Go Blind
12. Bad Case Of Loving You
13. Band Intro jam (Catfish Blues)
14. Hound Dog
15. Wang Dang Doodle
Encore:
16. Big Boss Man

Duracion: 104 minutos
Formato: MP3 variable 192/256 kbps
Tamaño: 145 MB

Archivo original en Dimeadozen (requiere registro):
Versión 16/44.1
Versión 24/96

Locutor cortesía de vozme.com

El guerrero vencido

Hay veces en que se dan los factores favorables para que un producto artístico sea perfecto. Éste es uno de esos casos.
La ocasión fue una producción documental de Discovery Channel, donde se pretendía dar la vuelta a la archiconocida expresión How The West Was Won (cómo se conquistó el Oeste). En este caso se pretendía mostrar la visión de los vencidos, es decir, de los que perdieron el Oeste.
Para dotar de banda sonora al documental, el canal televisivo reunió a dos músicos de culturas muy distintas, pero que ya habían colaborado en más de una ocasión. El sonido elegante y occidental del piano de Peter Kater se unía con las profundas raíces de las flautas y la voz del músico nativo R. Carlos Nakai. El cálido sonido del piano resta sordidez a lo que podría ser un simple muestrario de cánticos nativos, mientras que la profundidad y autenticidad de la tradición rescata brillantemente al disco de terminar en el hilo musical del dentista de turno.


Peter Kater & R. Carlos Nakai - Flight Song

Mi preferido de esta banda sonora es el penúltimo tema, un canto de desesperación del antaño orgulloso guerrero que no puede hacer ya más que rendirse. El título lo dice todo: no lucharé más.


Peter Kater & R. Carlos Nakai - I Will Fight No More

El peso de la nostalgia

Hace un par de días recibí en mi salita de estar la visita de un viejo amigo, Mark Knopfler. Nos conocemos de toda la vida, y a veces viene a mi casa a tocar algunos temas acompañados de una cervecita. En todo este tiempo debe haber llegado a conocerme muy bien, dado que ha desarrollado la rara habilidad de tocarme justamente la fibra sensible con cada canción que escribe.

Es un tío metódico, como buen caballero británico, y casi siempre puedes saber lo que va a hacer a continuación. Pero esta visita fue especial, por inesperada, y me mostró algo que nunca había hecho, y hace años estaba deseando escuchar, una versión en directo de uno de los temas más bellos que conozco. Es un canto al peso de la nostalgia, a ese nudo que se forma al comprobar que apenas queda nada de los lugares donde has vivido, y que de verdad te has hecho viejo.


Mark Knopfler - A Place Where We Used To Live

UN LUGAR DONDE SOLÍAMOS VIVIR

Esta cocina vacía donde
dejaba pasar las horas.
Justo al lado de mi vieja silla
solías poner algunas flores.
Las estanterías de libros,
incluso los ganchos de los cuadros,
todo se ha ido,
pero mi corazón está enganchado.
Si este viejo barrio
sobrevivió a nosotros,
no sé cómo resistió
a todo lo nuestro.
Tú en la escalera,
puedo verte allí.
Todo se ha ido,
pero mi corazón está enganchado.
Una vez hubo una chica
que solía imaginar lo que sería.
Se fue al gran y ancho mundo.
Ahora ella es sólo un recuerdo.
Había una pequeña escuela aquí,
donde aprendí a escribir mi nombre.
El tiempo ha sido un poco cruel.
El tiempo no se avergüenza.
No es más que el sitio
donde solíamos vivir.
No es más que el sitio
donde solíamos vivir.
Ahora en otra ciudad,
llevas otra vida.
Vas de arriba a abajo,
y eres la esposa de algún otro.
Aquí en el polvo,
no hay rastro de nosotros.
Todo se ha ido,
pero mi corazón está enganchado.
No es más que el sitio
donde solíamos vivir.
No es más que el sitio
donde solíamos vivir.

El concierto completo en la KnopflerTK (requiere registro).

(foto: Abandonalia)

El valor del intérprete (II)

El gran Bob Marley creó este genial reggae, de temática muy cinematográfica, y luego llegó Dios y lo subió a lo más alto, allí donde la capacidad técnica se une con el buen gusto y el sentido musical de la excelencia.

El valor del intérprete

En algunas ocasiones (no muchas) se da la circunstancia que un intérprete al versionar un tema crea una obra maestra superando al autor original de la obra. En este caso, además, se da la circunstancia de que la intérprete era (y de hecho lo fue toda su vida) una completa desconocida cuando elevó la obra al plano donde sólo los grandes pueden llegar.
Lo que más me fascina de Eva Cassidy no es su calidad vocal propiamente dicha (que es altísima), sino la capacidad interpretativa para hacernos sentir como nuevas incluso canciones tan manoseadas ya como Over The Rainbow, What A Wonderful World, etc.
La perla de hoy viene perfecta para ilustrar esto que os digo. Hoy te propongo que escuches la versión original de Fields of Gold, que podríamos considerar una muy buena canción, y la versión en directo que grabó Eva Cassidy, donde ya sólo podemos hablar de obra maestra absoluta.

Sting - Fields of Gold


Eva Cassidy - Fields of Gold

La tragedia cotidiana

A mediados del siglo XIX, se produjo en Irlanda una profunda depresión (ríanse de lo que hoy llamamos crisis), debido a continuadas malas cosechas de patata, que era el alimento básico y casi única fuente de ingresos. La hambruna se apoderaba de la población campesina y los impulsaba a emigrar a otros países supuestamente más prósperos (¿a qué nos suena esta historia?).
En unas cinco décadas se calcula que emigraron a Estados Unidos unos ocho millones de irlandeses (casi el doble de la población actual de la República Irlandesa). La mayoría de ellos viajaban "con lo puesto" y con una enorme incertidumbre acerca de cómo iban a ser recibidos o qué tipo de trabajo iban a tener que aceptar. A eso hay que añadir una enorme tristeza en la partida, en un pueblo tan arraigado a la tierra y las costumbres como el irlandés. Las cartas, que tardaban meses en llegar, eran el único vínculo entre los emigrantes y sus familias que habían quedado en Irlanda.
El cantautor Peter Jones se basa en una serie de cartas enviadas durante treinta años por un padre a su hijo emigrado para hacer esta emotiva canción, convertida en obra maestra por tres grandes músicos: Mick Moloney, Robbie O'Connell y Jimmy Keane. Este video es de una magistral actuación de O'Connell en 1995:



Lo que más me impresiona de esta letra, es la forma tan sencilla con que un hombre humilde va desgranando los hechos de una tragedia cotidiana que aún hoy sigue ocurriendo en tantos lugares del mundo:

Kilkelly, Irlanda,
1860
Queridisimo hijo John:
tu buen amigo, el maestro de escuela,
Pat MacNamara ha tenido
la bondad de escribirte estas letras.
Tus hermanos se han ido todos
a Inglalerra a buscar trabajo.
La casa se ha quedado vacía y triste.
La cosecha de patatas
se ha echado a perder:
han salido malas entre un tercio y la mitad.
Tu hermana Bridget y
Patrick O'Donnell
se piensan casar en junio.
Dice tu madre
que no trabajes en el ferrocarril y
que procures volver pronto a casa.

Kilkelly, Irlanda,
1870
Queridisimo hijo John:
saludos a tu esposa
a tus cuatro hijos,
que ojalá se crien sanos fuertes.
Michael se ha metido
en ciertos lios,
supongo que nunca escarmentará.
Debido a la humedad,
no se encuentra carbon
ahora no tenemos nada que quemar.
Bridget esta muy contenta
le ha puesto su nombre a la niña,
ya tiene seis criaturas.
Dices que has encontrado trabajo,
pero no dices de que,
ni cuando vas a volver a casa.

Kilkelly, Irlanda,
1880
Queridos hijos Michael y John:
lamento daros
la triste noticia
de que ha muerlo vuestra madre.
La enterramos
en la iglesia de Kilkelly
vinieron vuestros hermanos y Bridget.
No os preocupeis,
murio muy deprisa,
recordadla en vuestras oraciones.
Es estupendo saber
que Michael piensa volver.
Si trae dinero, seguro que compra tierras,
pues la cosecha ha sido mala
la gente vende
al precio que quieran pagarle.

Kilkelly, Irlanda,
1890
Queridisimo hijo John:
supongo que andaré
cerca de los ochenta años,
hace va treinta que te marchaste.
Gracias a todo
el dinero que me has enviado
sigo viviendo por mi cuenta.
Michael se ha construido
una casa estupenda
las hijas de Bridget va son mayores.
Gracias por mandar
la foto de tu tamilia,
son chicas y chicos preciosos.
Dices que a lo mejor
hasta vienes de visita
¡Qué alegría volverte a ver!

Kilkelly, Irlanda,
1892
Querido hermano John:
siento no haberte escrito
antes para decirte
que papa ha muerto.
Vivía con Bridget,
que dice que estuvo alegre
y sano hasta el final.
¡Si lo hubieras visto
jugar con los nietos
de tu amigo Pat MacNamara!
Lo enterramos
al lado de mama
en el cementerio de la iglesia de Kilkelly.
Fue un hombre fuerte y
muy inquieto,
teniendo en cuenta la vida tan dura que llevó.
Es curioso, pero
no paraba de mentarte,
te llamo al final.
¿Por qué no te animas
a hacernos una visita?
A todos nos encantaria volverte a ver.

El genio olvidado

Peter Green ayer y hoy

Las circunstancias que rodean la carrera de Peter Green son muy parecidas a las que se dieron con Syd Barrett. Marcó el estilo de una banda emergente, la cual terminó por unos derroteros completamente diferentes después de su renuncia por problemas mentales. A lo largo de los años ha reintentado en ocasiones volver a grabar y actuar, pero nunca ha podido hacerlo con la suficiente constancia. Sin embargo, al contrario de Barrett, la obra de Green quedó casi olvidada hasta que uno de sus más fervientes admiradores, Gary Moore, rescató sus canciones para el fantástico Blues for Greeny (1995). Moore incluso atesora la guitarra Les Paul que Green utilizó para sus discos, y que tiene un defecto en las pastillas que le proporciona un sonido especial.
Fleetwood Mac nació en 1967 como una escisión de la John Mayall's Bluesbreakers. La banda alcanzó un éxito considerable en los primeros 70, haciendo un blues cortante y sin pulir, pero al mismo tiempo muy entroncado en los clásicos. Poco antes de la salida de Green, volaron a Chicago, donde grabaron unas míticas sesiones para la Blue Horizon junto a algunos de los grandes, como Willie Dixon y Otis Spann. Reorganizada la formación en varias ocasiones, alcanzaron el éxito internacional de nuevo mucho más tarde en los derroteros del pop.
Como muestra de la obra de Peter Green, nada mejor que el agrio lamento de este I Loved Another Woman:



Guitarra cortante, letras agrias y una voz perfecta para el lamento del blues, es el legado de un gran genio olvidado.


Peter Green - Long Grey Mare

Romper para avanzar

En esa edad en la que uno se empieza a dar cuenta de que hay algo más que lo que te ofrecen en los 40 Principales, el contacto, casi siempre casual, con ciertos artistas va formando el bagaje musical que luego llevarás en la mochila toda la vida. Eso me ocurrió a mí a los veintitantos años con este disco que hoy os traigo.
Hay ocasiones en que hace falta romper para avanzar, derruir para construir. Ésta ha sido la razón de ser de la extensísima obra del belga Wim Mertens. Eminente musicólogo, por un lado ha estudiado y seleccionado las colecciones de un reputado sello de música clásica, mientras que por otro ha grabado más de 50 discos caracterizados por un término, la ruptura, que es el que le da título a la perla que hoy os traigo.
Después de explorar las más variadas formas orquestales o solistas, se vió encasillado por la crítica en la escuela del llamado "minimalismo" junto a nombres el (intragable para mí) Philip Glass o el primitivo Michael Nyman. Pero su espíritu es demasiado libre para verse atado, así que Mertens para su decimoprimer disco se sacó de la manga una nueva forma de expresión, con un canto en "falsete" inconfundible (los técnicos lo llaman contratenor). Ese disco, A Man Of No Fortune And With A Name To Come (1986), únicamente abrió un camino que, cinco años después, llevó a la cumbre en una auténtica obra maestra: Stratégie de la Rupture (1991).


Wim Mertens - Houfnice

El piano desgrana sus notas como si de un fluido se tratara, mientras que la (en principio chocante) voz de Mertens se nos va metiendo dentro con un apasionamiento totalmente ajeno a la frialdad minimalista. La combinación no nos puede dejar indiferentes. No hay letra, son sólo sílabas sueltas de pronunciación flamenca sin significado. El significado es lo que el espectador siente, nada más.


Wim Mertens - Darpa

Haciendo música tan inusual, resulta asombroso que Mertens haya alcanzado a lo largo de los años un éxito comercial más que considerable. La multinacional EMI ha reeditado y recompilado su obra en multitud de ocasiones y su producción es de tres-cuatro discos al año desde hace dos décadas. Su tema más conocido, el precioso Close Cover ha sido utilizado a menudo en bandas sonoras, sintonías de programas y publicidad.