El guerrero vencido

Hay veces en que se dan los factores favorables para que un producto artístico sea perfecto. Éste es uno de esos casos.
La ocasión fue una producción documental de Discovery Channel, donde se pretendía dar la vuelta a la archiconocida expresión How The West Was Won (cómo se conquistó el Oeste). En este caso se pretendía mostrar la visión de los vencidos, es decir, de los que perdieron el Oeste.
Para dotar de banda sonora al documental, el canal televisivo reunió a dos músicos de culturas muy distintas, pero que ya habían colaborado en más de una ocasión. El sonido elegante y occidental del piano de Peter Kater se unía con las profundas raíces de las flautas y la voz del músico nativo R. Carlos Nakai. El cálido sonido del piano resta sordidez a lo que podría ser un simple muestrario de cánticos nativos, mientras que la profundidad y autenticidad de la tradición rescata brillantemente al disco de terminar en el hilo musical del dentista de turno.


Peter Kater & R. Carlos Nakai - Flight Song

Mi preferido de esta banda sonora es el penúltimo tema, un canto de desesperación del antaño orgulloso guerrero que no puede hacer ya más que rendirse. El título lo dice todo: no lucharé más.


Peter Kater & R. Carlos Nakai - I Will Fight No More

El peso de la nostalgia

Hace un par de días recibí en mi salita de estar la visita de un viejo amigo, Mark Knopfler. Nos conocemos de toda la vida, y a veces viene a mi casa a tocar algunos temas acompañados de una cervecita. En todo este tiempo debe haber llegado a conocerme muy bien, dado que ha desarrollado la rara habilidad de tocarme justamente la fibra sensible con cada canción que escribe.

Es un tío metódico, como buen caballero británico, y casi siempre puedes saber lo que va a hacer a continuación. Pero esta visita fue especial, por inesperada, y me mostró algo que nunca había hecho, y hace años estaba deseando escuchar, una versión en directo de uno de los temas más bellos que conozco. Es un canto al peso de la nostalgia, a ese nudo que se forma al comprobar que apenas queda nada de los lugares donde has vivido, y que de verdad te has hecho viejo.


Mark Knopfler - A Place Where We Used To Live

UN LUGAR DONDE SOLÍAMOS VIVIR

Esta cocina vacía donde
dejaba pasar las horas.
Justo al lado de mi vieja silla
solías poner algunas flores.
Las estanterías de libros,
incluso los ganchos de los cuadros,
todo se ha ido,
pero mi corazón está enganchado.
Si este viejo barrio
sobrevivió a nosotros,
no sé cómo resistió
a todo lo nuestro.
Tú en la escalera,
puedo verte allí.
Todo se ha ido,
pero mi corazón está enganchado.
Una vez hubo una chica
que solía imaginar lo que sería.
Se fue al gran y ancho mundo.
Ahora ella es sólo un recuerdo.
Había una pequeña escuela aquí,
donde aprendí a escribir mi nombre.
El tiempo ha sido un poco cruel.
El tiempo no se avergüenza.
No es más que el sitio
donde solíamos vivir.
No es más que el sitio
donde solíamos vivir.
Ahora en otra ciudad,
llevas otra vida.
Vas de arriba a abajo,
y eres la esposa de algún otro.
Aquí en el polvo,
no hay rastro de nosotros.
Todo se ha ido,
pero mi corazón está enganchado.
No es más que el sitio
donde solíamos vivir.
No es más que el sitio
donde solíamos vivir.

El concierto completo en la KnopflerTK (requiere registro).

(foto: Abandonalia)

El valor del intérprete (II)

El gran Bob Marley creó este genial reggae, de temática muy cinematográfica, y luego llegó Dios y lo subió a lo más alto, allí donde la capacidad técnica se une con el buen gusto y el sentido musical de la excelencia.

El valor del intérprete

En algunas ocasiones (no muchas) se da la circunstancia que un intérprete al versionar un tema crea una obra maestra superando al autor original de la obra. En este caso, además, se da la circunstancia de que la intérprete era (y de hecho lo fue toda su vida) una completa desconocida cuando elevó la obra al plano donde sólo los grandes pueden llegar.
Lo que más me fascina de Eva Cassidy no es su calidad vocal propiamente dicha (que es altísima), sino la capacidad interpretativa para hacernos sentir como nuevas incluso canciones tan manoseadas ya como Over The Rainbow, What A Wonderful World, etc.
La perla de hoy viene perfecta para ilustrar esto que os digo. Hoy te propongo que escuches la versión original de Fields of Gold, que podríamos considerar una muy buena canción, y la versión en directo que grabó Eva Cassidy, donde ya sólo podemos hablar de obra maestra absoluta.

Sting - Fields of Gold


Eva Cassidy - Fields of Gold

La tragedia cotidiana

A mediados del siglo XIX, se produjo en Irlanda una profunda depresión (ríanse de lo que hoy llamamos crisis), debido a continuadas malas cosechas de patata, que era el alimento básico y casi única fuente de ingresos. La hambruna se apoderaba de la población campesina y los impulsaba a emigrar a otros países supuestamente más prósperos (¿a qué nos suena esta historia?).
En unas cinco décadas se calcula que emigraron a Estados Unidos unos ocho millones de irlandeses (casi el doble de la población actual de la República Irlandesa). La mayoría de ellos viajaban "con lo puesto" y con una enorme incertidumbre acerca de cómo iban a ser recibidos o qué tipo de trabajo iban a tener que aceptar. A eso hay que añadir una enorme tristeza en la partida, en un pueblo tan arraigado a la tierra y las costumbres como el irlandés. Las cartas, que tardaban meses en llegar, eran el único vínculo entre los emigrantes y sus familias que habían quedado en Irlanda.
El cantautor Peter Jones se basa en una serie de cartas enviadas durante treinta años por un padre a su hijo emigrado para hacer esta emotiva canción, convertida en obra maestra por tres grandes músicos: Mick Moloney, Robbie O'Connell y Jimmy Keane. Este video es de una magistral actuación de O'Connell en 1995:



Lo que más me impresiona de esta letra, es la forma tan sencilla con que un hombre humilde va desgranando los hechos de una tragedia cotidiana que aún hoy sigue ocurriendo en tantos lugares del mundo:

Kilkelly, Irlanda,
1860
Queridisimo hijo John:
tu buen amigo, el maestro de escuela,
Pat MacNamara ha tenido
la bondad de escribirte estas letras.
Tus hermanos se han ido todos
a Inglalerra a buscar trabajo.
La casa se ha quedado vacía y triste.
La cosecha de patatas
se ha echado a perder:
han salido malas entre un tercio y la mitad.
Tu hermana Bridget y
Patrick O'Donnell
se piensan casar en junio.
Dice tu madre
que no trabajes en el ferrocarril y
que procures volver pronto a casa.

Kilkelly, Irlanda,
1870
Queridisimo hijo John:
saludos a tu esposa
a tus cuatro hijos,
que ojalá se crien sanos fuertes.
Michael se ha metido
en ciertos lios,
supongo que nunca escarmentará.
Debido a la humedad,
no se encuentra carbon
ahora no tenemos nada que quemar.
Bridget esta muy contenta
le ha puesto su nombre a la niña,
ya tiene seis criaturas.
Dices que has encontrado trabajo,
pero no dices de que,
ni cuando vas a volver a casa.

Kilkelly, Irlanda,
1880
Queridos hijos Michael y John:
lamento daros
la triste noticia
de que ha muerlo vuestra madre.
La enterramos
en la iglesia de Kilkelly
vinieron vuestros hermanos y Bridget.
No os preocupeis,
murio muy deprisa,
recordadla en vuestras oraciones.
Es estupendo saber
que Michael piensa volver.
Si trae dinero, seguro que compra tierras,
pues la cosecha ha sido mala
la gente vende
al precio que quieran pagarle.

Kilkelly, Irlanda,
1890
Queridisimo hijo John:
supongo que andaré
cerca de los ochenta años,
hace va treinta que te marchaste.
Gracias a todo
el dinero que me has enviado
sigo viviendo por mi cuenta.
Michael se ha construido
una casa estupenda
las hijas de Bridget va son mayores.
Gracias por mandar
la foto de tu tamilia,
son chicas y chicos preciosos.
Dices que a lo mejor
hasta vienes de visita
¡Qué alegría volverte a ver!

Kilkelly, Irlanda,
1892
Querido hermano John:
siento no haberte escrito
antes para decirte
que papa ha muerto.
Vivía con Bridget,
que dice que estuvo alegre
y sano hasta el final.
¡Si lo hubieras visto
jugar con los nietos
de tu amigo Pat MacNamara!
Lo enterramos
al lado de mama
en el cementerio de la iglesia de Kilkelly.
Fue un hombre fuerte y
muy inquieto,
teniendo en cuenta la vida tan dura que llevó.
Es curioso, pero
no paraba de mentarte,
te llamo al final.
¿Por qué no te animas
a hacernos una visita?
A todos nos encantaria volverte a ver.

El genio olvidado

Peter Green ayer y hoy

Las circunstancias que rodean la carrera de Peter Green son muy parecidas a las que se dieron con Syd Barrett. Marcó el estilo de una banda emergente, la cual terminó por unos derroteros completamente diferentes después de su renuncia por problemas mentales. A lo largo de los años ha reintentado en ocasiones volver a grabar y actuar, pero nunca ha podido hacerlo con la suficiente constancia. Sin embargo, al contrario de Barrett, la obra de Green quedó casi olvidada hasta que uno de sus más fervientes admiradores, Gary Moore, rescató sus canciones para el fantástico Blues for Greeny (1995). Moore incluso atesora la guitarra Les Paul que Green utilizó para sus discos, y que tiene un defecto en las pastillas que le proporciona un sonido especial.
Fleetwood Mac nació en 1967 como una escisión de la John Mayall's Bluesbreakers. La banda alcanzó un éxito considerable en los primeros 70, haciendo un blues cortante y sin pulir, pero al mismo tiempo muy entroncado en los clásicos. Poco antes de la salida de Green, volaron a Chicago, donde grabaron unas míticas sesiones para la Blue Horizon junto a algunos de los grandes, como Willie Dixon y Otis Spann. Reorganizada la formación en varias ocasiones, alcanzaron el éxito internacional de nuevo mucho más tarde en los derroteros del pop.
Como muestra de la obra de Peter Green, nada mejor que el agrio lamento de este I Loved Another Woman:



Guitarra cortante, letras agrias y una voz perfecta para el lamento del blues, es el legado de un gran genio olvidado.


Peter Green - Long Grey Mare

Romper para avanzar

En esa edad en la que uno se empieza a dar cuenta de que hay algo más que lo que te ofrecen en los 40 Principales, el contacto, casi siempre casual, con ciertos artistas va formando el bagaje musical que luego llevarás en la mochila toda la vida. Eso me ocurrió a mí a los veintitantos años con este disco que hoy os traigo.
Hay ocasiones en que hace falta romper para avanzar, derruir para construir. Ésta ha sido la razón de ser de la extensísima obra del belga Wim Mertens. Eminente musicólogo, por un lado ha estudiado y seleccionado las colecciones de un reputado sello de música clásica, mientras que por otro ha grabado más de 50 discos caracterizados por un término, la ruptura, que es el que le da título a la perla que hoy os traigo.
Después de explorar las más variadas formas orquestales o solistas, se vió encasillado por la crítica en la escuela del llamado "minimalismo" junto a nombres el (intragable para mí) Philip Glass o el primitivo Michael Nyman. Pero su espíritu es demasiado libre para verse atado, así que Mertens para su decimoprimer disco se sacó de la manga una nueva forma de expresión, con un canto en "falsete" inconfundible (los técnicos lo llaman contratenor). Ese disco, A Man Of No Fortune And With A Name To Come (1986), únicamente abrió un camino que, cinco años después, llevó a la cumbre en una auténtica obra maestra: Stratégie de la Rupture (1991).


Wim Mertens - Houfnice

El piano desgrana sus notas como si de un fluido se tratara, mientras que la (en principio chocante) voz de Mertens se nos va metiendo dentro con un apasionamiento totalmente ajeno a la frialdad minimalista. La combinación no nos puede dejar indiferentes. No hay letra, son sólo sílabas sueltas de pronunciación flamenca sin significado. El significado es lo que el espectador siente, nada más.


Wim Mertens - Darpa

Haciendo música tan inusual, resulta asombroso que Mertens haya alcanzado a lo largo de los años un éxito comercial más que considerable. La multinacional EMI ha reeditado y recompilado su obra en multitud de ocasiones y su producción es de tres-cuatro discos al año desde hace dos décadas. Su tema más conocido, el precioso Close Cover ha sido utilizado a menudo en bandas sonoras, sintonías de programas y publicidad.

Perla acústica, rey eléctrico

Me acerco hoy a otro rey, en este caso el Rey del Blues de Texas, el gran Freddie King.
Criado, musicalmente hablando, bajo la tutela de Howlin' Wolf, King se caracterizó especialmente por la potencia de su sonido en directo. Sin embargo, la perla que hoy os traigo de él es una preciosa excepción. Corresponde a su única actuación acústica que hay registrada, realizada en un programa de radio a principios de los 70.


Es una bellísima interpretación del clásico I Believe I Dust My Broom, donde King sube su tono de voz para imitar claramente al intérprete original, Robert Johnson. Por un momento nos imaginamos que el genio de Mississippi hubiera subido de los infiernos aquel día (o Skip James bajado de los cielos). La interpretación es sobrecogedora.

Para contrastar, os dejo aquí el mismo tema tocado con su banda. Ambas grabaciones se pueden encontrar en el extraordinario disco "Live at the Electric Ballroom, 1974"

¡Vaya lunes!

Me vais a permitir acercarme a uno de los temas imprescindibles para entender el blues, el Stormy Monday que creara T-Bone Walker en 1947, y que ha sido versionado en multitud de ocasiones por todos los artistas grandes o pequeños del blues.

T-Bone Walker - They Call It Stormy Monday (But Tuesday Is Just As Bad)

Uno de los encantos que tiene este tema para mí es la sencillez con la que expresa, en el más puro estilo blusero, sin rodeos ni adornos de ningún tipo, la desesperación de quien vive sumido en la rutina diaria sin poder tener lo que desea:

Lo llaman el tormentoso lunes,
pero el martes es igual de malo.
El miércoles es aún peor,
y el jueves es horrible.
El águila vuela el viernes,
y el sábado salgo a divertirme.
El domingo voy a la iglesia,
me pongo de rodillas y rezo.
Señor ten piedad,
ten piedad de mí,
he perdido a mi nena,
por favor traela de vuelta a casa.

Os presento mis dos versiones favoritas, de dos monstruos de la guitarra. Cada uno a su estilo recrea el tema magistralmente:


Albert King, en vivo en Montreux en 1973, la elegancia personificada. Fijaos en la fantástica sección de bajo/batería.


Eric Clapton, en la reunión de Cream del 2005, demostró porqué tenemos que seguir considerandolo en otra galaxia.

Una voz y sus influencias

El británico Ian Siegal es un bluesman bastante atípico. Quizá porque su imagen parece salida de una película de Tarantino, o su propio nombre suena a todo menos a Delta y Mississipi.
Sin embargo, bajo esa apariencia, tenemos a un músico que desde muy joven se ha empapado en el blues profundo de su ídolo Muddy Waters. Que se fue de casa para terminar tocando por las calles en Alemania. A su vuelta se estableció en Nottingham, donde formó una banda, y terminó como un nuevo referente blusero de los pubs londinenses. Ha tocado como telonero del stone Bill Wyman por media Europa y también con el hijo de su adorado Waters, Big Bill Morganfield.
Siegal se defiende bastante bien con la guitarra, aunque su principal arma es una voz profunda y muy versátil, que hace sonar en muchos registros diferentes. Puede sonar a Mick Jagger, o a veces como si de Tom Waits se tratara, a veces imitando descaradamente a otro de sus ídolos: Howlin' Wolf.
De su primer disco, Meat & Potatoes (2005), hemos extraído este excelente She got the devil in her-I gotta try you now baby, que no deja lugar a dudas de las raíces en las que se asienta:

De Swagger (2007), un profundo tema de aire muy diferente denominado Let My Love:


De su recién salido del horno The Dust (2008), que incluye cuatro cortes en vivo, se pueden escuchar fragmentos en la propia web del artista.

¡Ese Paco!

Hoy os traigo a este rincón musical a uno de esos artistas que consiguen algo que raramente se da: poner a todos de acuerdo. Creo que no hay en el mundo musical quien no considere a Paco de Lucía un genio musical, el maestro eterno de la guitarra.

Otro de los raros logros que ha conseguido, es el de sacar su guitarra del círculo cerrado del Flamenco para exportarla a otros públicos y otros estilos. Esta fue la clave de su éxito internacional.

El trío formado junto a John McLaughlin y Al Di Meola le llevó a mostrar su arte en los mayores templos musicales estadounidenses, y de ahí al olimpo de los dioses.

La perla que os traigo del algecireño está extraída de un mítico concierto en la Opera House de Boston, del que se cumple ahora nada menos que 25 años. La grabación es de audiencia, pero de buena calidad, y podemos sentir perfectamente el ambientazo que se vivió, con quizá el Paco más pletórico de su carrera, metiendose literalmente al público en el bolsillo con una recreación desbordante del tema Spain de Chick Corea, junto a sus compañeros del mítico trío:



El concierto completo, con Di Meola, McLaughlin y como telonero Steve Morse (a años-luz de Deep Purple), lo podemos encontrar, como es habitual, en Dimeadozen (requiere registro).

(Crónica del concierto en el Boston Globe)

...y de propina, una perlita encontrada en youtube:

La historia del pequeño Matty Groves

Pocos grupos musicales han superado tantas barreras de tiempo, tantos cambios de formación, se han reinventado tantas veces, o han marcado a tantas generaciones como los ingleses de Fairport Convention.

No es mi intención en este artículo hacer una biografía de sus 40 años encima de los escenarios, porque para eso tenemos la Wikipedia, pero para ser fiel a la filosofía de este blog os voy a dejar una perla de las de muchos quilates, que es a la vez monumental pieza de folk tradicional y crónica social de una era ya desaparecida.

En 1969 Fairport publicaba Liege & Lief, que ha sido denominado por la BBC como álbum más influente de la historia del folk. Ahí es nada. Y a ello ha ayudado bastante la presencia en la banda por aquel entonces de la carismática Sandy Denny, una de esas figuras cuya muerte prematura encumbra a la categoría de mito.

La pieza central del Liege es una balada tradicional que cuenta una sórdida historia de adulterio y asesinato pasional en la Inglaterra del siglo XVII:

(...)

-Levántate -gritó Lord Darnell- tan rápido como puedas. No permitiré que en Inglaterra se diga que maté a un hombre desnudo.

-Por mi vida no puedo levantarme, no debo hacerlo, porque ahí tienes dos espadas y yo ni siquiera una navaja de bolsillo.

-Es cierto que tengo dos espadas, que mi buen dinero me costaron. Pero tú vas a coger la mejor de ellas y yo la peor. Tú vas a dar el primer golpe, y lo harás como un hombre, y yo daré el siguiente y te mataré si puedo hacerlo.

Así que Matty dió el primer golpe, hiriendo a Lord Darnell. Él dió el siguiente golpe, y Matty no pudo hacer más. Entonces Lord Darnell tomó a su mujer diciendo:

- ¿A cuál de los dos prefieres, a Matty Groves o a mí?

Nunca había oído a su esposa hablarle tan libremente:

- Prefiero besar los labios muertos de Matty antes que a tí y a todos tus lujos.

(...)

Esta alucinante versión que os dejo aquí está cantada por otra enorme cantante femenina, de voz muy parecida a la de Sandy, Chris While. Es una emisión de la BBC en un festival en Cropedy, Inglaterra, en agosto de 2007:



El concierto completo, que es una recreación completa del álbum pieza por pieza, se puede obtener en Dimeadozen (requiere registro).

Llamadme Muddy Waters

Siempre que escucho un buen blues lento, me convenzo de que es la única música con derecho a llamarse seria. Es el lamento hecho arte y el resultado, paradójicamente glorioso, de generaciones de esclavitud y sufrimiento. El lamento llevado de África a América en barcos negreros, madurado en infernales campos de algodón del Mississippi, y por último emigrado a los suburbios de Chicago. El mismo camino (Mississippi-Chicago) que un día tuvo que hacer un hombre sencillo llamado McKinley Morganfield, que quiso ser recordado como Muddy Waters (literalmente aguas sucias).

La suerte que tenemos es que tuvo una vida tan larga que, al contrario que otros grandes del blues, nos dio tiempo suficiente de que su trabajo fuera registrado con la suficiente calidad en documentos valiosísimos. Lo que os traigo aquí es una grabación increíble, en los estudios de una televisión alemana, de un Waters pletórico, rompiendonos el alma con su slide. Le acompaña una banda de lujo con especial aportación del gran Jerry Portnoy a la armónica.

El concierto completo, como siempre, en Dimeadozen (requiere registro)

Jeff Healey: Uno de los grandes

Se nos ha ido uno de los grandes, Jeff Healey, merecedor de ese título por derecho propio. Llamaba de él la atención que tocara la guitarra sobre las rodillas y que era ciego, pero eso no era más que anécdota. Lo que realmente importa, como en cualquier artista, es el buen hacer con el que se ganó el respeto de toda la afición al blues y al rock. Grandísimo guitarrista y compositor, tiene un puesto de honor en la inmortalidad.

Para recordarle como se merece, os dejo aquí esta excepcional versión en vivo del I Think I Love You Too Much, que Mark Knopfler le cedió para uno de sus mejores trabajos, Hell to Pay (1990).

Jeff Healey Band
Hammersmith Odeon
London, U.K.
Sept. 24, 1990
(FM broadcast)

El concierto completo se puede encontrar en Hunger City (requiere registro).

Fraser & Haas: La mezcla perfecta

Que el violín y el violonchelo están hechos para sonar juntos es bien sabido. Sus tonalidades se complementan a la perfección. Dentro del ámbito del fiddle celta, sin embargo, no es muy habitual verlos juntos.

En este aspecto, la pareja formada por el veterano violinista escocés Alasdair Fraser y la jovencísima violonchelista californiana Natalie Haas no deja de sorprender y recolectar alabanzas allá donde van. Su primer trabajo juntos (Fire & Grace, 2004, publicado cuando Haas apenas tenía 19 años) era muy interesante, pero la nueva entrega (In The Moment, 2007) es ya un trabajo redondo en todos los sentidos. Vamos, un pedazo de disco.

A pesar de que me encantan las piezas rítmicas escocesas, los discos plagados de reels en general me resultan cansinos por lo repetitivos que resultan. En este aspecto, Fraser & Haas han acertado mezclando temas más cercanos al jazz o a la música de cámara moderna, junto con otros más tradicionales. Como ejemplo, he extraído este excelente tema titulado Salamanca:



Junto a ellos, por supuesto, los tradicionales reels escoceses no pueden faltar, donde Fraser hace gala de su prodigiosa técnica, mientras Haas desarrolla un estilo muy peculiar y poco ortodoxo para marcar el rítmo, casi como si de un instrumento de percusión se tratara. El resultado es muy original y le resta rigidez a los sonidos tradicionales, como se puede apreciar en este alucinante Cuillin Nights:



En este video de aficionado, se ve a la pareja en un festival escocés tocando uno de los clásicos del repertorio de Fraser, a quien vemos vestido, como no podría ser de otra forma, con el tradicional kilt. Se puede apreciar perfectamente la curiosa técnica de Haas, en este caso parecida a la de un contrabajista de jazz.



No quiero terminar sin haceros una reseña de lo que para mí es el máximo hito en la carrera de Fraser. A pesar de la cantidad de maravillosas colaboraciones que ha hecho (véase por ejemplo el supergrupo Skyedance), y de sus valiosos estudios recuperando tonadas tradicionales (The Legacy of Scottish Fiddle), nunca me hace olvidar su trabajo de 1989 The Road North junto a Paul Machlis, con la colaboración del tristemente desaparecido Mícheál Ó Domhnaill. Es de esos discos que todo el mundo debería escuchar antes de morir.






En este tema, que da nombre al disco, Fraser nos pone los pelos de punta haciendo sonar el violín como si de una gaita se tratase. ¡Qué grande!

Stones en agua sucia

La noche del 22 de noviembre de 1981 será difícil de olvidar en el Checkerboard Lounge de Chicago. Sobre el escenario, tres leyendas del blues de todos los tiempos: Muddy Waters, Buddy Guy y Junior Wells. Por allí andaban entre el público nada menos que Mick Jagger, Keith Richards y Ron Woods. En un momento determinado, mientras tocan Baby Please Don't Go, Waters anuncia que van a subir al escenario. Por suerte, el momento está registrado y podemos disfrutar de él casi como si hubieramos estado allí:



Muddy Waters (voc)
Buddy Guy (voc, gtr)
Junior Wells (harm, voc)
Lefty Dizz (gtr, voc)
Mojo Buford (harm)
John Primer (gtr)
Lovie Lee (p)
Ray Allison (dr)
Earnest Johnson (bass)
Mick Jagger (voc)
Keith Richards (gtr)
Ron Wood (gtr)

El concierto completo, como casi siempre en Dimeadozen (requiere registro).

Capercaillie: 25 años no es nada

Estoy escuchando ahora mismo algunos adelantos del inminente nuevo trabajo de Capercaillie, y no tengo más que reafirmarme en que son uno de los mejores grupos a nivel mundial. Qué capacidad hay que tener para llevar tantos años manteniendo e incluso superando un nivel altísimo tanto de creatividad como de calidad instrumental y vocal. Estoy literalmente con los vellos de punta en este instante. ¡Sombrerazo para ellos!

El disco Roses and Tears va a salir a finales de marzo y se pueden escuchar algunos extraordinarios temas en la página que el grupo tiene en MySpace.

Con todos ustedes: El Incombustible

Pocos como Eric Clapton se han ganado a pulso el apelativo de Incombustible. Con más de 60 años de edad y más de 40 años de carretera con todo tipo de altibajos, tragedias, etc. ha llegado a un estátus estos últimos años donde parece que su estado de gracia musical es inagotable.

Después del colosal CD+DVD de homenaje a Robert Johnson y los demoledores conciertos de reunión con Cream (que podrían darnos para unas cuantas cuantas perlas aquí), parecía que había pinchado en hueso con su enésimo intento de incursión en el pop (Back Home). Pero se demuestra que por mucho que se empeñe lo suyo es el escenario, y volvió a liarla en las giras posteriores.

Es ya habitual en él acompañarse de grandísimos músicos y dejarlos tocar casi como si fueran a hacerle sombra. Hay canciones que parecen un concurso de solos. ¡Qué ilusos! No es más que una treta para al final comerselos a todos con papas. Al final el maestro hace lo suyo y todo el mundo tiene que postrarse a los pies del Dios indiscutible de la guitarra. En este concierto que os enlazo el grupo es impresionante:

Sapporo, Japan
November 26, 2006
Eric Clapton guitar, vocals
Doyle Bramhall II guitar
Derek Trucks guitar
Chris Stainton keyboards
Tim Carmon keyboards
Willie Weeks bass
Steve Jordan drums
Michelle John backing vocals
Sharon White backing vocals

A mí me ha encantado éste por encima de otros conciertos que he escuchado del 2006 y 2007, quizá porque la calidad de sonido es alucinante, y Clapton se siente como en casa en tierras japonesas. Todo enterito es una perla. En el concierto hay de todo, como suele ser habitual, incluida sesión acústica, que es de la que he sacado las dos perlitas. Se me nota mi tendencia blusera, pero qué le voy a hacer...

Primero, el clásico de Big Bill Broonzy que ya hizo en el inolvidable dúo con BB King (aquí el dúo es con Bramhall II, pero qué le vamos a hacer...):



Y de segundo plato un clásico de Cream revisitado:



El concierto completo se puede encontrar en Dimeadozen (requiere registro).

El mejor Telegraph Road de mi vida

Prometo no dar la brasa mucho en el blog con mi obsesión por Mark Knopfler y los Dire Straits. Lo prometo de verdad. Pero para inagurar el blog no podía menos que hacerles su homenaje.

Esta perla no fue encontrada a la manera usual, escuchando en el coche o en casa. Me la encontré en persona, en el propio concierto, a unos metros del maestro. No sé cuántas veces en mi vida habré escuchado este tema, en las más variadas épocas y formas, pero sólo un genio como Mark Knopfler podría volver a sorprender después de tantos años. Cuando parece que está todo hecho, cuando parece que no hay nada que aportar, se saca de la manga otro solo genial más.



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